Descartando la influencia del comunismo en las bellas artes

Con una base de educación sólida, los estudiantes o artistas de bellas artes en China pueden producir obras de arte que sean relativamente realistas, que a menudo se consideran precisas. Pero esto no es necesariamente cierto.

Hemos encontrado muchos artistas dentro de China, que tienden a ignorar la influencia del comunismo en el estilo y las técnicas de sus obras de arte.

Tales problemas pueden identificarse fácilmente en la profesión de arte fuera de China. Sé que algunos críticos o profesionales del arte en la sociedad occidental pueden decir si una pintura, gouache o boceto proviene de un artista chino, incluso sin el nombre del artista o la fuente de la obra de arte.

Como resultado, a menudo lo refieren como «gusto de China continental». Este estilo, que se originó en la Unión Soviética, no es bien aceptado en el mundo del arte occidental.

Al apreciar la pintura occidental tradicional, un aspecto crítico es comprender su trasfondo cultural y su patrimonio histórico.

Por ejemplo, si un retrato es del estilo veneciano, la gente puede sentir su pasión y gloria; si es del renacimiento del norte posterior, uno puede sentir la influencia de la reforma protestante.

Cuando el mismo retrato es de China u otros países comunistas, uno puede sentir la influencia del comunismo y su supresión de los ciudadanos.

Durante una campaña nacional del comunismo soviético en la década de 1930, una gran cantidad de artistas fueron exiliados o encarcelados porque sus obras de arte no se ajustaban al realismo socialista. Algunos artistas que no se adaptaron a la nueva política incluso fueron ejecutados como parte de las grandes purgas de Stalin.

Influencia del comunismo

Para alguien que conoce bien la pintura tradicional, puede ver el linaje de un artista con solo un vistazo de su trabajo. Por ejemplo, la escuela holandesa o el estilo español es evidente en tales obras maestras.

La esencia de la obra de arte se define por la técnica y las características de ese estilo. Es decir, sin ciertos métodos de esa escuela, como la composición, la luz, el color, el material y la técnica, incluso una pintura realista no puede reflejar ese gusto especial.

Por lo tanto, aunque la pintura tradicional enfatiza la precisión, una obra de arte realista no significa necesariamente que sea tradicional. Por ejemplo, incluso si alguien puede dibujar a una persona o un árbol muy vívidamente, puede que no sea una obra de arte tradicional.

Para alguien de un país comunista, puede considerar el estilo del realismo socialista como un arte auténtico.

Muchas personas que aprenden pintura centran su pasión y esfuerzos en mejorar sus habilidades, y pueden no estar interesados en tales teorías.Un profesor de arte en la China moderna, por otro lado, no les diría a sus alumnos que lo que enseña es un estilo comunista.

Pero en la historia del arte occidental, realismo socialista es un término para describir este estilo, una literatura y un estilo artístico ambientado en la era de la Unión Soviética que ayuda a lavar el cerebro de una población con ideología comunista. Heredado por el comunismo chino, el realismo socialista se manifiesta a través de la teoría y la práctica, desde un principiante que primero toma un lápiz para aprender a dibujar hasta un artista profesional.

Esto es lo que se ha enseñado en las escuelas de arte chinas después de que el partido comunista chino (PCCh) tomó el poder.

Entre los llamados artistas promovidos por el comunismo soviético, algunos artistas produjeron obras de arte que eran bastante realistas. Por ejemplo, la pincelada y el estilo de color de varios de los artistas favoritos de Stalin a menudo se ven en los artistas figurativos de hoy en China.

Ciertas tendencias populares de bellas artes en China en realidad se derivan del comunismo. Algunos ejemplos de esto son, prefiriendo el cuadrado sobre el redondo, prefiriendo el desorden sobre el vacío, dividiendo el espacio en bloques con caras planas, mostrando la pincelada, un tono gris general y un dibujo estructural.

Estos son derivados de la influencia del comunismo en el arte y son degenerados.

Volviendo a la tradición

Alguien puede preguntar: ¿cómo podemos dibujar o pintar sin estas técnicas? Los profesionales incluso pensarían que nuestra obra de arte es amateur.

De hecho, esta es la crueldad del comunismo: te hace sentir que no puedes vivir sin él. Pero este tipo de estilo relacionado con el comunismo es en realidad demoníaco.

Sin embargo, no hay que preocuparse. Para aprender el arte tradicional, tenemos que eliminar la influencia del comunismo. Sin embargo, esto no es para demoler nuestras habilidades existentes.

Más bien, es un proceso de retorno a la tradición. Al comparar obras de arte de los maestros europeos, podemos ver que las líneas afiladas utilizadas por los estudiantes de arte chinos para comenzar un boceto están influenciadas por el comunismo.

Estas líneas de contorno y líneas de estructura son inquietantes, y no existían en las obras de arte clásicas. Incluso sostener un lápiz no debe arreglarse como un conductor que sostiene el bastón.

Cabeza de un apóstol, un dibujo de Rafael. Este dibujo es rico en líneas redondas y suaves, sin líneas de contorno rectas.

Algunos artistas modernos están estudiando arte figurativo. Pero en nombre del «realismo», se centran en temas vulgares que destruyen la moralidad.

Para resaltar la aspereza, el trazo y el color en sus técnicas también están diseñados de esa manera. Esto es completamente diferente de los maestros clásicos que, a través de trazos suaves, limpios e invisibles, así como el color, representan la divinidad o los santos.

Al negar la divinidad y la esencia tradicional, el arte de influencia comunista adoptó cambios e incorporó el estilo comunista con fines políticos y de lavado de cerebro. Además, la divinidad ya no es un tema en muchas obras de arte.

La mayoría de las habilidades artísticas en China se introdujeron desde la Unión Soviética, en el siglo pasado, en la década de los cincuenta. Han pasado varias generaciones y muchas suponen que esas son habilidades auténticas.

Un ejemplo es la presentación en bloque de los músculos y el énfasis en la estructura muscular facial para mostrar una textura sólida. Algunas personas creen que proviene de la tradición de dibujar con moldes de yeso de esculturas antiguas.

En realidad, la etapa inicial de la enseñanza de las bellas artes occidentales no requería que los estudiantes dibujaran estatuas o cabezas de yeso. No fue sino hasta el siglo XVIII que a los estudiantes se les enseñó a dibujar copias de estatuas desenterradas de la antigua Grecia y Roma.

El propósito era estudiar el estilo antiguo y aprender el arte tradicional, en lugar de entrenarse en dibujo básico. En muchas obras de arte de China, la estructura muscular a menudo se enfatiza demasiado y ciertos pasajes lisos se transformaron en cubos o bloques.

Incluso para el color, los bloques de pinceladas se ven claramente. Estas técnicas provienen de la época en que los materiales de propaganda resaltaban el comunismo, la revolución y una sensación de poder.

Para volver a la tradición, podemos estudiar obras de arte producidas durante el Renacimiento y 200 años después. Después de estudiarlas una y otra vez, desarrollaremos gradualmente un sentido de tradición.

Estamos de acuerdo en que una obra de arte debe ser una presentación precisa y precisa, pero eso es diferente del realismo, una escuela de arte que comenzó en el siglo XIX.

El arte clásico se centra en la realidad conceptual, que está relacionada con la mente, la visión y la experiencia del artista, y no es necesariamente lo mismo que la vida real. El arte debe ir más allá de la vida cotidiana y proporcionar una orientación recta.

Todos sabemos que si alguien siempre mira el contenido vulgar, las sustancias malas entrarán en su cuerpo. No habrá contaminación si solo se miran las cosas que tienen buen contenido.

El maestro Li dijo:

“Ya que esas cosas del pasado estaban ahí para que ellos aprendan de ellos y comparen sus trabajos, ellos maduraron muy rápidamente. Después del renacimiento, fue la intención de los dioses que surgieran Leonardo da Vinci y otros artistas, para que ellos guiaran a los seres humanos a alcanzar la madurez artística y decirles a las personas cómo hacer su arte. Por eso es que su trabajo en ese tiempo tuvo gran impacto en la humanidad” (Exponiendo el Fa en la reunión sobre la creación de las Bellas Artes).

Bellas artes tradicionales

Más específicamente, el uso del color en la pintura al óleo tradicional se basó en la observación y la experiencia, y se logró a través de los efectos ópticos de las capas de colores y las técnicas de esmalte.

Al explicar los colores transparentes, Leonardo da Vinci escribió: «Cuando se aplica un color transparente sobre otro de naturaleza diferente, produce un color mixto, diferente de cualquiera de los simples que lo componen».

Además, da Vinci escribió: “Para aquellos colores que quiere decir que deberían verse hermosos, prepare un fondo de blanco puro. Esto es solo para colores transparentes”.

Al apreciar las pinturas al óleo clásicas compuestas con la técnica de superponer capas de color, a menudo encontramos el color tan sutil y rico que está más allá de toda descripción. Por ejemplo, para la piel de una figura en una obra de arte clásica, el área medio sombreada puede parecer un poco rojiza o un poco verdosa.

Se ve así porque tiene verde y rojo transparentes, junto con otros colores transparentes, combinándose en un efecto óptico que es sutil, rico y más allá de las palabras.

Hoy en día, en algunas escuelas de arte, se les dice a los estudiantes que no mezclen bien los colores en la paleta para que cada trazo pueda llevar un color desigual y variable.

La intención es imitar el rico color mencionado anteriormente, pero este método es esencialmente una práctica de la teoría de la separación del color del impresionismo. Este enfoque no solo causa inestabilidad en la capa de color, sino que también produce un efecto de bloques de color fragmentados, como se ve en obras de arte de China o la Unión Soviética.

En las obras de arte clásicas de Rafael, por otro lado, «la luz interior» se produjo a partir de la capa de tinte inferior con el efecto óptico del acristalamiento transparente multicapa. Esto es drásticamente diferente del color del pigmento opaco directamente mezclado en la paleta.

La Madonna della seggiola (Virgen de la silla) de Raphael.

Después de comprender los dos modos de pintura de Chiaroscuro (claroscuro) y Sfumato (esfumado), Raphael aplicó Unione, una forma efectiva de unificar formas y colores en armonía.

Sobre el tema del accidente cerebrovascular, da Vinci escribió: “… tenga cuidado de que las sombras y las luces se unan o se pierdan entre sí; sin golpes fuertes ni líneas: como el humo se pierde en el aire, también lo hacen sus luces y sombras para pasar de una a la otra, sin ninguna separación aparente «.

También dijo que si los artistas aplicaran trazos gruesos y pesados para un retrato de la cabeza, eso sería una tontería. Jean-Auguste-Dominique Ingres, un pintor neoclásico francés, también enseñó que las personas deberían ver solo el producto en el lienzo, no los métodos empleados, como las pinceladas.

Sobre las formas, también habló sobre evitar contornos cuadrados o angulares, para crear hermosas formas. Es decir, debe ser redondo y liso, sin detalles que sobresalgan del interior.

Tal concepto de preferir la vuelta al cuadrado es consistente con la cultura tradicional china. Debido a la conexión divina, los objetos en este mundo humano deben seguir lo divino, que es suave, suave y armonioso.

Debido a que todo, incluidos los seres humanos, es de lo divino, solo siguiendo la conexión divina podemos lograr la armonía del cielo y la tierra, así como volver a lo divino.

Resumen

Este artículo solo cubrió brevemente varios temas. La precisión que estamos describiendo aquí es diferente del realismo discutido por la mayoría de la gente hoy.

El arte tiene dos componentes principales: forma y conexión. La forma se refiere a los métodos de diseño y expresión de una obra de arte para entregar un mensaje o idea.

El mensaje puede ser divino, humano, demoníaco o poco claro. Estos contenidos intrínsecos trabajan con otros elementos del mismo tipo, sirviendo como un puente para conectarse con lo divino o el infierno.

La conexión funciona a través de la forma, incluida la composición, el patrón, el tema y otros aspectos, para llegar a los espectadores. Por lo tanto, existe un vínculo entre los espectadores y la obra de arte, luego con lo divino, humano o demoníaco.

Este vínculo continúa extendiéndose más allá de esta dimensión física. Esto es lo que lleva una obra de arte.

Una excelente obra de arte vertical se asimila al campo de energía positiva, y podría ser fortalecida por lo divino. Del mismo modo, las ilustraciones vulgares pueden conectarse con lo demoníaco.

La creación artística no solo depende de excelentes habilidades, sino que también refleja directamente la mente y la espiritualidad del artista.

Artículo publicado originalmente en Minghui.org y parcialmente modificado.